Bang Si-Hyuk svela i segreti di «ARIRANG» dei BTS: l’intervista

L’album di ritorno dei BTS, ARIRANG, dopo la loro pausa di quasi quattro anni, è arrivato al n. 1 della classifica Billboard 200 (datata 11 aprile) per una seconda settimana consecutiva, segnando il settimo n. 1 del gruppo nella classifica e il più lungo di sempre. Non è stato l’unico record stabilito. Il brano principale SWIM ha anche debuttato al n. 1 della Billboard Hot 100, rendendo i BTS il primo gruppo a debuttare simultaneamente al primo posto nella Billboard 200 e nella Hot 100 più volte (il gruppo aveva raggiunto questo risultato nel 2020 con Be e Life Goes On). Tutte le 13 tracce sono entrate nella Hot 100 (tranne No. 29, l’interludio con la campana). Nella Billboard Global Excl. U.S., i BTS sono diventati il primo artista a occupare l’intera top 13.

Dietro il ritorno dei BTS c’è Bang Si-Hyuk (alias Chairman Bang), presidente e fondatore di HYBE. La persona che ha progettato il debutto dei BTS 13 anni fa, formando il gruppo, scrivendo e producendo la sua musica e supervisionando tutto, dal marketing ai contenuti sui social media.

Quel legame stretto con i membri del gruppo continua. Durante il loro servizio militare obbligatorio in Corea, Bang è rimasto in contatto, incontrando frequentemente ciascun membro e mantenendo vive le conversazioni su quale potesse essere l’album di ritorno del gruppo più leggendario della Corea. «Per me personalmente, è stato un progetto in cui ho riversato oltre un anno e mezzo della mia vita e della mia energia» dice Chairman Bang. Nella sua prima intervista ai media dopo l’uscita di ARIRANG, Bang parla del suo ruolo come produttore principale dell’album, del lungo percorso dietro il ritorno dei BTS e del processo di creazione delle nuove canzoni e coreografie.

L’intervista a Bang Si-Hyuk dopo il comeback dei BTS

Un ritorno dopo quasi quattro anni è importante. Può darci qualche informazione sulla pianificazione?

Mentre i membri stavano adempiendo ai loro doveri militari, abbiamo continuato a portare avanti il lavoro che poteva essere fatto a livello aziendale. Poiché non potevano partecipare attivamente alla produzione dell’album in quel periodo, ci siamo concentrati su ciò che potevamo preparare in anticipo — inclusa la ricerca di canzoni e la definizione della direzione creativa e del brand complessivo. A livello personale, ho fatto in modo di incontrare ogni membro individualmente ogni volta che era in licenza. Abbiamo avuto molte conversazioni su come si sentivano in quel momento e su come i loro pensieri stavano evolvendo.

Prima ancora di iniziare a cercare le canzoni per l’album, il processo di progettazione della sua struttura complessiva e di definizione della sua visione musicale ha davvero preso forma durante i pre-song camp che abbiamo tenuto negli Stati Uniti. All’inizio del 2025, prima che i membri venissero congedati, Diplo è stato selezionato come produttore principale per supervisionare il processo sul posto. Ad aprile e maggio abbiamo tenuto due pre-song camp a Los Angeles, dove abbiamo sviluppato circa 100 tracce prototipo. A luglio, una volta che tutti i membri avevano completato il servizio militare, abbiamo allestito una sala di ascolto privata in una pensione nella provincia di Gyeonggi e tenuto un workshop di un’intera giornata.

Qual era l’identità dell’album?

La conclusione a cui siamo arrivati era molto chiara. I BTS 2.0 non dovevano rimanere un’estensione del passato – dovevano essere una dichiarazione che apre un nuovo capitolo. Per usare una mia espressione di allora, l’essenza musicale di questo album era un viaggio per trovare la risposta a una domanda: “Se i BTS che hanno pubblicato il loro album di debutto 2 Cool 4 Skool fossero cresciuti mantenendo quella stessa identità — senza le variazioni di genere o le espansioni esterne degli ultimi 13 anni — che tipo di musica avrebbero fatto oggi?”

Una volta che quella visione è diventata chiara, abbiamo immediatamente iniziato il song camp su larga scala a Los Angeles con i membri. La decisione di andare subito negli Stati Uniti a luglio era intenzionale – volevo creare un ambiente in cui i membri potessero concentrarsi completamente sulla musica. In realtà, ogni membro aveva fatto piani personali per prendersi del tempo per sé dopo aver completato il servizio. Ma quando ho chiesto loro — molto sinceramente — hanno tutti accettato senza esitazione, cancellato i loro programmi e volato negli Stati Uniti insieme.

Chiunque abbia fatto il servizio militare o conosca qualcuno che lo ha fatto, capirebbe che questa non è affatto una decisione facile – anche per un gruppo come i BTS, la band più grande del mondo. Sono esseri umani, e avevano bisogno di riposo. Eppure, il fatto che abbiano scelto di mostrare quel livello di impegno dice molto su quanto amino profondamente la musica.

Per le prime due settimane, abbiamo deliberatamente evitato linee guida rigide. C’è sempre anche un divario tra ciò che immagini quando ascolti qualcosa e ciò che effettivamente prende forma quando viene espresso attraverso il cosiddetto “tocco magico”. Quel processo di restringere la direzione era essenziale. Solo dopo quelle due settimane abbiamo iniziato a selezionare il materiale – identificando ciò che funzionava e definendo direzioni più concrete. E attraverso quel processo, siamo finalmente riusciti a trasformare quella che era una visione vaga in qualcosa di concreto – in 200-300 pezzi musicali pienamente realizzati.

Come nota a margine, la scala e l’energia del song camp stesso sono diventate un argomento di discussione nell’industria musicale statunitense. Da produttori leggendari a talenti emergenti, una vasta gamma di creatori – ognuno con un’identità musicale distinta adatta a ciò che immaginavamo come BTS 2.0 – ha partecipato. Un produttore veterano mi ha persino detto: “Non vedevo un songwriting camp di questa portata dai primi anni 2000.” Alcuni produttori famosi che non erano stati nemmeno invitati mi hanno contattato direttamente, così come lo staff di HYBE e BIGHIT MUSIC, chiedendo se potessero partecipare.

Può descrivere la prima volta che vi siete seduti di nuovo insieme?

I vecchi amici spesso danno la sensazione che il tempo non sia passato, anche dopo anni separati – come se ci si fosse visti solo ieri. È stato esattamente così quando mi sono riunito con i membri.

Dopo il congedo, abbiamo fatto un workshop in Corea, e poi ci siamo ritrovati di nuovo per il song camp a Los Angeles. Eppure, quel primo giorno – nonostante tutto ciò che rappresentava – è stato, in un certo senso, quasi sorprendentemente ordinario. Ci siamo semplicemente scambiati saluti brevi e semplici — “Ciao”, “Oh, sei qui” — e poi ci siamo seduti al tavolo e siamo andati direttamente al lavoro. Guardando tutti immergersi nella musica senza alcuna particolare cerimonia, ho realizzato: “Stiamo davvero ricominciando.”

Un altro momento che mi viene in mente è più recente – circa un mese prima dell’uscita dell’album. Ho avuto una cena informale con RM e Jung Kook, e poi siamo andati a casa di Jung Kook, dove gli altri membri si sono uniti spontaneamente. Lì, ci siamo seduti insieme e abbiamo ascoltato l’intero album. Abbiamo abbassato tutte le luci e lasciato solo un’illuminazione soffusa, quasi come una sessione privata di ascolto. Mezzo scherzando, ci siamo detti: “Questo disco è un capolavoro” e abbiamo finito per ascoltarlo tutto due volte. Abbiamo parlato di quanto ci sentivamo sicuri riguardo all’album. Guardando indietro, penso che quella sicurezza derivasse dal fatto che i membri erano riusciti a esprimere completamente ciò che volevano dire davvero.

Qual è stato l’approccio alla musica?

Con questo album, sia i membri sia io condividevamo un obiettivo chiaro e deliberato: andare oltre l’etichetta di “boy band” di lunga data – spesso plasmata da pregiudizi radicati nell’industria musicale occidentale – e stabilire fermamente i BTS come veri artisti. In passato, molti artisti che iniziavano nelle boy band cercavano questa transizione lasciando il gruppo e intraprendendo carriere soliste. Ma non c’è mai stato davvero un caso in cui un gruppo mantenesse la propria identità mentre rompeva completamente quelle preconvenzioni e si ridefiniva dall’interno.

Per raggiungere questo obiettivo, abbiamo preso una decisione consapevole: rispettare profondamente il genere e le tradizioni musicali da cui proveniamo senza mai rimanerne confinati. Allo stesso tempo, volevamo che i testi e i messaggi riflettessero, più onestamente di prima, come vediamo il mondo e cosa proviamo in questo preciso momento. In molti modi, questo tipo di lavoro richiede agli artisti di rivelarsi completamente – di mettere a nudo non solo i loro pensieri, ma anche le loro vulnerabilità. Ecco perché questo album rappresenta i BTS così come sono oggi.

Come sono cambiati i membri?

La dinamica [di lavoro] è rimasta la stessa. Io ascoltavo le idee e li aiutavo a trasformarle in una direzione più chiara, e loro poi le davano vita con il loro colore distintivo. Quando suggerivo revisioni, ne discutevamo insieme e affinavamo il lavoro in modo collaborativo. Scambiavo testi con RM in tempo reale tramite messaggi, apportando modifiche mentre procedevamo. Abbiamo anche continuato la pratica di riunirci prima delle sessioni con produttori esterni, passando ore ad ascoltare ciò su cui avevamo lavorato e ad allinearci sulla direzione.

Ciò che è cambiato sono le loro capacità. Ricordo ancora la prima volta che ho ascoltato Into the Sun, una traccia su cui ha lavorato V. In passato non era stato così coinvolto nella scrittura o nel contribuire, ma questa traccia si è distinta come un lavoro eccezionale. Man mano che i membri sono cresciuti come artisti, il processo è diventato naturalmente più guidato dagli artisti stessi. Sono intervenuto solo quando necessario. In effetti, ci sono stati momenti in cui venivano da me quando si sentivano bloccati, chiedendo una guida o una svolta. Il mio ruolo in questo album è stato in gran parte quello di aiutare a definire la direzione generale e di intervenire su alcune decisioni chiave.

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Come ha gestito la pressione?

Il peso che sentivo era enorme, considerando il significato storico dei BTS come gruppo e il fatto che si trattasse del loro ritorno dopo quattro anni. Eppure, insieme a quella pressione, c’era anche una convinzione stranamente forte. Anche quando i membri, durante il servizio militare, condividevano le loro incertezze e preoccupazioni, mi ritrovavo a dire loro con calma: “Potete essere incerti su voi stessi, ma io sono certo che ce la faremo.” Guardando indietro, penso che quella sicurezza derivasse da una profonda fiducia nei BTS come artisti.

Per questo motivo, rispetto alla pressione schiacciante iniziale, i 18 mesi di produzione sono stati, in un certo senso, sorprendentemente tranquilli. Naturalmente, ogni giorno portava con sé le sue sfide, e la scala e la complessità del progetto erano senza precedenti. Lo stress quotidiano era reale e costante. Ma da qualche parte nel profondo, il mio stato mentale è rimasto chiaro e stabile – quasi come la superficie di un lago. È stato, per molti versi, un periodo ironico ma straordinario – in cui sono riuscito a mantenere una calma interiore anche in mezzo a una turbolenza senza precedenti.

Quali rischi avete preso?

I rischi che abbiamo preso nel processo di produzione vero e proprio sono stati significativi. La domanda più grande era se il pubblico avrebbe davvero accettato il tipo di trasformazione che immaginavamo con “BTS 2.0”. Per rendere possibile quel cambiamento, ho preso due decisioni deliberate per allontanarmi da formule che in precedenza avevano funzionato.

La prima è stata un cambiamento nel linguaggio visivo. Ci siamo allontanati completamente dall’approccio tradizionale del K-pop di presentare gli artisti nella loro forma più rifinita, stilizzata e visivamente elevata. Invece, abbiamo scelto di rimanere fedeli al messaggio dell’album – concentrandoci meno sullo spettacolo esterno e più sul catturare i membri per come sono, come persone, e sul tipo di bellezza che deriva da quell’autenticità.

La seconda è stata una decisione che ha ridefinito fondamentalmente il ruolo della performance. In particolare, per quanto riguarda la coreografia, sono state perseguite simultaneamente due forme contrastanti di rischio. Innanzitutto, era necessario abbandonare completamente la formula di successo esistente. Quando siamo arrivati alle fasi finali del processo, la coreografia non era ancora stata finalizzata, e i membri, sentendosi esausti, sono venuti da me esprimendo la loro frustrazione, chiedendo perché fossero lasciati senza una direzione chiara. Fino a quel momento, mi ero trattenuto volendo rispettare la loro visione. Ma dopo quella conversazione, sono intervenuto direttamente e ho preso la decisione di azzerare tutto – di scartare tutte le bozze di coreografia esistenti. In particolare, per brani come Swim e Hooligan, la coreografia è stata ridotta a un livello così minimo da sembrare quasi inesistente.

I membri hanno messo in dubbio questo approccio, chiedendo se rappresentasse davvero i BTS. Ho risposto dicendo: “Possedete già un’aura tale da poter dominare un palco semplicemente esistendo. Per artisti come voi, stare fermi può essere più che sufficiente. Il tipo di coreografia intensa che avete fatto in passato può, a volte, oscurare la musica. Seguire semplicemente i metodi adottati dalla nuova generazione – metodi che voi stessi avete stabilito – non è in linea con il peso e lo status che ora portate. Se avete scelto di aprire un nuovo capitolo, allora dovete presentare un nuovo tipo di performance – uno che permetta alla musica stessa di essere ascoltata.”

Ci sono volute quasi due settimane di tentativi con entrambi gli approcci – ripetendo, confrontando, percependo la differenza – prima che i membri iniziassero a comprendere pienamente. Allo stesso tempo, dovevamo anche stabilire un nuovo standard che potesse soddisfare le aspettative dei fan che associano i BTS a coreografie potenti e perfettamente sincronizzate. Non credevo che potessimo semplicemente ripetere lo stile K-pop di coreografie precise che i BTS, in molti modi, avevano contribuito a definire. Invece, ciò di cui avevamo bisogno era una performance che potesse dichiarare: “Questo è il livello dei BTS,” aprendo allo stesso tempo un nuovo orizzonte per la coreografia K-pop.

Qual è l’importanza di Arirang in Corea, e perché questo titolo?

In Corea è molto più di una canzone folk tradizionale. Porta con sé un senso tenero e agrodolce di tristezza radicato nella separazione e nella nostalgia, mentre allo stesso tempo trasforma quell’emozione in energia e heung—simbolizzando la resilienza e la vitalità con cui i coreani superano le difficoltà. È, in molti modi, un “patrimonio vivente”—qualcosa che viene continuamente rimodellato e reinterpretato a seconda della persona che lo canta. Credevo che questo quadro emotivo fosse il veicolo più preciso e potente attraverso cui esprimere il paesaggio interiore dei BTS così come sono oggi. Per questo ho proposto Arirang come concetto centrale dell’album.

Parlando a lungo con i membri durante il processo, ho capito che nonostante la loro posizione come icone globali, rimangono, nel profondo, giovani uomini che lottano con domande di identità. Per usare un’espressione di RM, erano “ragazzi di campagna coreani”, che navigavano su un palcoscenico globale sconosciuto—vivendo una certa confusione lungo il percorso, mentre arrivavano anche a portare il “peso dei riflettori” e un profondo senso di responsabilità, indipendentemente dalle loro intenzioni. Era, in molti modi, immenso. Credevo che il nucleo di questo progetto fosse rivelare nel modo più autentico le lotte umane—e il “sé frammentato”—che si trovano sotto la loro immagine eroica.

In quel periodo, mi sono imbattuto in un resoconto storico del 1896 di sette giovani uomini coreani che, affrontando barriere linguistiche e culturali su suolo americano, lasciarono quella che è considerata la prima registrazione di Arirang. L’immagine di loro che dimostravano la propria esistenza attraverso la musica in una terra straniera oltre 130 anni fa aveva una sorprendente somiglianza con la situazione dei nostri membri oggi. Ritornare dal servizio militare nel 2025 sulla scena globale per aprire un nuovo capitolo. Non sembrava una coincidenza, ma piuttosto un senso di destino condiviso e duraturo. Uno che può essere compreso attraverso la lente della diaspora.

Come è caratteristico della musica folk coreana, abbiamo scelto di concentrarci sulla sua resilienza. Il modo in cui trasforma il dolore della perdita in un ritmo dinamico e vivo. Crediamo che, come artisti, l’atto di rivelare apertamente le proprie vulnerabilità e trovare la forza di andare avanti all’interno di quella fragilità sia ciò che definisce il vero “essere BTS.”

Ciò che ho sottolineato costantemente a tutti i coinvolti è che Arirang non dovrebbe mai essere trattato come qualcosa di superficiale o unidimensionale. Né ridotto a uno slogan superficiale come “includere ‘Arirang’ lo rende coreano” o “ciò che è più coreano è più globale”. Alla fine, Arirang è diventato la bussola più chiara. Una che riflette sia il viaggio di 13 anni dei BTS sia indica l’era di “A Love Beyond,” un amore che trascende confini e generazioni. Questa canzone non è più una semplice reinterpretazione della tradizione, ma un’espressione vivente dei BTS stessi.

D: Cosa ha provato sentendo migliaia di persone cantare Arirang?

Anche quando i BTS hanno eseguito un altro successo globale, MIC Drop ricordo aver provato stupore dal momento in cui fan da tutto il mondo — parlando lingue diverse — cantavano parti della canzone in coreano all’unisono perfetto. Vedere ciò per la prima volta è stato incredibilmente potente. Con Body to Body tuttavia, l’esperienza è stata ancora più profonda e stratificata. I BTS potrebbero non averlo inteso così, ma in Corea sono spesso considerati qualcosa di simile a rappresentanti nazionali.

All’inizio, ci sono state varie discussioni e opinioni diverse tra i membri e il team riguardo all’inserimento di un elemento folk coreano distintivo come Arirang. Non volevo che i BTS perdessero l’opportunità di creare un momento che potesse lasciare un’impressione duratura. Alla fine, siamo riusciti a raggiungere una comprensione condivisa con i membri. Insieme siamo stati in grado di assistere a quello che ora è diventato un momento iconico.

In un incontro successivo, i membri hanno condiviso ridendo: “All’inizio eravamo preoccupati che potesse sembrare ‘marketing eccessivamente nazionalista.’ Ma dopo averlo fatto ascoltare alle persone intorno a noi, ogni coreano con cui abbiamo parlato ha detto di aver avuto i brividi ed essere stato profondamente colpito quando entrava ‘Arirang.’ Sembra che avessi ragione anche questa volta.”

Perché il concerto a Gwanghwamun?

Anche se questo è già stato ampiamente discusso, credo che il primo palco che segna il nuovo capitolo dei BTS dovesse svolgersi in un luogo distintamente coreano. Quando la notizia del loro ritorno ha iniziato a circolare, abbiamo ricevuto proposte da diverse grandi città in tutto il mondo per ospitare la prima esibizione. Tuttavia, sentivo molto fortemente che, per un artista che è iniziato in Corea ed è diventato globale, un momento così importante non dovesse iniziare all’estero.

[Gwanghwamun Square] si è rivelata la scelta più adatta. Come molti hanno notato, vedere i BTS tornare nella loro forma più distintamente coreana, in piedi insieme in uno dei luoghi più simbolici della Corea, è diventato una potente rappresentazione visiva del messaggio dell’album. In particolare, il palco stesso è stato progettato con elementi minimi, presentando solo una grande struttura rettangolare senza decorazioni elaborate. La scena sembrava quasi un “portale” che collega passato e presente. Sia storico che contemporaneo, è stato un palco davvero notevole, e vorrei esprimere ancora una volta la mia gratitudine al nostro partner Netflix per aver contribuito a realizzarlo.

E sul significato della campana sacra?

Se si ascolta l’album, si noterà un chiaro contrasto tra la prima e la seconda metà. La sezione iniziale porta un senso di grandiosità — quasi come se annunciasse il “ritorno di un re” — riflettendo il ritorno dei BTS dopo quasi quattro anni. Al contrario, la seconda metà presenta un tono più contenuto e introspettivo, catturando le emozioni oneste e le lotte interiori di giovani individui che portano il peso di quella corona.

Collegare questi due stati d’animo contrastanti è qualcosa su cui ho riflettuto attentamente. Ho pensato che introdurre il suono della campana potesse creare una sorta di passaggio meditativo, permettendo agli ascoltatori di transitare naturalmente verso la seconda metà dell’album. Anche se è comune includere un interludio negli album per cambiare atmosfera, questi sono solitamente composti come tracce strumentali separate. In questo caso, invece, usare solo il suono della campana — senza altri elementi musicali — è stato un approccio nuovo per noi.

Questa idea è nata quando ho visitato il Museo Nazionale della Corea l’anno scorso, dove il direttore Yoo Hong-jun mi ha presentato personalmente il suono della Campana Sacra del Grande Re Seongdeok. Mi ha fatto fare un tour privato del museo e mi ha detto: “Se fai musica, questa è una cosa che devi ascoltare”. Ho trascorso molto tempo, seduto ad ascoltare il suono, imparando anche la sua storia e il suo significato. Ha spiegato quanto fossero straordinarie sia la lavorazione sia le qualità acustiche, specialmente considerando il periodo.

È stato in quel momento che ho sentito che questo suono dovesse essere usato come interludio nell’album. Tradizionalmente, le campane dell’Asia orientale sono progettate per produrre una risonanza profonda e prolungata. Quella del Grande Re Seongdeok è spesso considerata un apice di quella maestria. La campana è progettata in modo che il suo suono risuoni in un ciclo continuo, quasi ininterrotto, persistendo come se potesse svanire, ma senza mai scomparire del tutto. Questo fenomeno è chiamato “maengnori.” Allo stesso modo, volevo che questo album portasse la speranza che la musica dei BTS potesse risuonare con un’eco duratura nel tempo.

Vedi i BTS come ambasciatori globali?

Attraverso questo album, credo che i BTS diventeranno un’icona, non semplicemente nel senso di rappresentare la Corea, ma come artisti pop universali e una presenza iconica a pieno titolo. Quando Netflix ha promosso il loro ritorno, ha usato la frase “THE WORLD’S BIGGEST BAND.” Io lo vedo non come uno slogan, ma come un riflesso della realtà.

È un’espressione che uso spesso internamente, ma credo che i BTS stiano diventando qualcosa come una destinazione. Anche se è vero che hanno raggiunto questo punto grazie alla forza del loro fandom, ora stanno andando oltre. Allo stesso modo in cui le persone vogliono visitare Disneyland o sentono il bisogno di vedere un nuovo film Marvel quando esce. I BTS stanno diventando un artista che le persone sono naturalmente spinte a vivere come esperienza.

Sono convinto che la presenza di un artista come i BTS contribuirà anche ad ampliare il mercato e ad aumentare l’interesse generale per l’intera scena K-pop. Ogni genere ha bisogno di artisti trasformativi che possano rappresentarlo e ridefinirlo. È attraverso quegli artisti che i confini di un genere vengono spinti più in là, attirando pubblico oltre la base esistente. I BTS hanno svolto quel ruolo nel K-pop, e spero che il loro ritorno possa portare nuova energia all’intera industria musicale coreana.