Ibisco ci racconta “FOMOROMANZO” traccia per traccia

Con il suo album di debutto NOWHERE EMILIA, Ibisco ci trasportava in un non luogo oscuro che aveva i contorni sfocati di Bologna e della provincia emiliana. Dal 2022 a oggi, la sua scrittura evocativa che unisce astratto e concreto, è evoluta attraversando palette sonore sempre più elettroniche. LANGUORE, come suggeriva il titolo, esplorava il desiderio e la necessità di avere dei sogni esplorando una melodia più nitida. Nel terzo album FOMOROMANZO, in uscita oggi, Ibisco si immerge nel presente performativo e nell'”emotività tecnica” – che sostituisce la riproducibilità di Walter Benjamin – dalla quale tutti voremmo avere il diritto di scappare.

Musicalmente ci sono escursioni interessanti. C’è il rock elettronico di Psichedelicamente, l’andamento dispari di Tentacoli del cuore con Marta del Grandi e le inedite influenze shoegaze di Prompt. Non manca anche un nuovo ritratto, molto più spigoloso e sintetico della sua città in Bologna Centro. Le parole, invece, oscillano sempre tra il desiderio di svelare la verità e la tendenza irresistibile a rendere tutto più ambiguo. So bene come ti senti è uno dei testi più riusciti della sua carriera.

FOMOROMANZO track by track

So bene come ti senti 

Un’esplorazione profonda della dipendenza emotiva e della complicità pura, dove l’empatia si trasforma con presunzione in una droga invisibile – oltre che difficile – necessaria per sopravvivere agli strascichi della quotidianità. Essa diventa così un sentimento desideroso di dirompenza. Desideroso di abbandonare il proprio status buonista per diventare un potente strumento di emancipazione da un sistema che concede sempre più potere alla disumanità.

Il brano racconta di un’intimità incorruttibile, al riparo da un mondo spesso troppo calcolato. Un mondo dove l’unico modo per non considerare la fragilità come debolezza è quello di ripensare il valore delle persone. Come quello di chi sa sbagliare con stile, al di fuori della mera performance. Tra fusi orari sfalsati piacevolmente notturni, il rifiuto di scorciatoie artificiali e la consapevolezza che «il dolore fotte chi fa programmi», emerge la scelta istintiva di sporcarsi le mani con la materia delle emozioni. Per plasmarla, sfumare i contorni che ci separano dalle altre vite. 

Psichedelicamente 

Su un giro di basso che assurge al mantra, la cultura della notte si libera dei cliché edonistici per rivelarsi come un microcosmo rituale di decompressione, appartenenza e catarsi collettiva. Uno spazio franco dove spogliarsi delle finzioni sociali, dei comportamenti di facciata e dell’ossessione per l’utile. Il neologismo del titolo — l’amare “psichedelicamente” — si fa metafora di un’umanità che trova nei propri eccessi, nelle alterazioni e nelle crepe non una deriva distruttiva, ma una spinta generativa e profondamente trasformativa.  

Tra affinità-divergenze scaturite da digitazioni in stato di ebbrezza qui dialogano con estasi condivise lontano dai consensi, come fossero dischi miscelati da un dj. Un pezzo rock – al limite del power-trio – vestito di tessuti minimali tipici della musica elettronica. 

Fomoromanzo 

La FOMO non è solo l’ansia di perdersi qualcosa, ma la recita continua di chi deve mostrarsi sempre pronto, intraprendente e affamato di possibilità. In questa corsa, l’ostentazione di sicurezza diventa una corazza che nasconde il bisogno opposto. Il sentirsi protetti, tracciati, persino messi al sicuro da un’ipotetica profilassi emotiva, dallo sgretolamento della propria identità. Così i legami duraturi, dagli amori alle amicizie, vengono messi a dura prova. Disgregati – ognuno col suo preservativo – e continuamente oppressi dalla virulenza dell’opportunismo e dall’idea che ci sia sempre un’opzione migliore altrove.  

Nella carrellata di fotogrammi che contraddistingue il brano, fumare erba qui è l’antidoto che invade la scena principale, sottraendo luce. Un gesto che vuole privarsi di ogni velleità di slogan. Che sta lì, sullo sfondo, come un’abitudine già digerita dalla quotidianità, indifferente ai ritardi della politica, capace di sequestrare anche solo per pochi minuti l’essere umano dalla prigionia dell’esserci sempre. Quando la sovrastruttura delle infinite alternative crolla, resta solo l’esigenza di fermare l’immagine e guardare da vicino la vita degli altri. È qui che risuona la scelta di chi rifiuta la posa e sceglie la comprensione, ancora una volta, di ciò che l’essere umano se fare meglio di tutti. Il tuo talento di chi sa comprendere che avere due lavori è pesante, ma è più importante uscire di notte. 

Offline 

Il brano affronta il corto circuito dell’iper-connessione aggredendo la materia prima della nostra presenza digitale: il linguaggio. Qui l’identità virtuale preme sul reale fino a sovrapporsi. Riduce la rappresentazione dei sentimenti e la gestione della fine di un rapporto a un’ostinata persistenza nelle foto e nelle tracce di rete. Rende difficile, paradossale e superfluo non solo il lasciarsi, ma l’atto stesso del conoscersi e l’avere certezza di un avvenuto contatto, la prova della connessione. La schizofrenia dello scrolling — un flusso che alterna nell’arco di pochi secondi la sofferenza e l’idiozia — si traduce in una scrittura spezzata e poliglotta.

Tra francese, inglese, frammenti dialettali e gergo da chat, il caos linguistico si fa specchio preciso dell’incomunicabilità. Di fronte a questo scenario di surrogati e relazioni mediate, la canzone rivendica l’urgenza di una traccia tangibile. Che sia un bacio, una lacrima autentica, una visione. Tutto prima che l’esperienza dell’altro rimanga definitivamente congelata nell’astrazione, dispersa nei non-luoghi del web. 

Tentacoli del cuore (ft. Marta del Grandi)

L’architettura del brano si muove attraverso una narrazione frastagliata come scogli. Impetuosa come un fiume che vuole riversarsi direttamente nell’oceano dell’intraprendenza emotiva tipica di chi non è mai stanco di (ri)mettere i propri sentimenti in gioco. Al centro c’è la ricerca di “quel gesto in più”. Uno scatto improvviso che rompe la staticità delle cose per trasformare le nostre crepe in un punto di forza e di contatto profondo con gli altri.

Questa eccedenza trova una corrispondenza metrica precisa nella scelta di far battere il pezzo in 5/4. Un andamento dispari, eccentrico e imprevedibile che rispecchia la natura ramificata e asimmetrica dei «tentacoli del cuore», rendendoci strani pesci in un mare di anime a pezzi. A impreziosire il tutto c’è la presenza di Marta Del Grandi, voce tra le più raffinate ed evocative del panorama avant-pop contemporaneo, sospesa e viscerale – per l’occasione, in italiano – ampliando la portata poetica di una traccia pensata per cuori pesanti portati sulla riva di chi è capace di non farci annegare. 

Bologna Centro 

Un legame religiosamente paterno verso il lato più randagio e autentico di una città che resiste ai tentativi di addomesticazione. Mai stanca di sperimentare con chi la attraversa nuovi modi di produrre reciproche memorie. Bologna si rivela nella tensione costante tra la spigolosità del ricordo e il fervore che inevitabilmente ne segue. Si manifesta a fil di pelle nei momenti di riconciliazione la tra il centro e la periferia. Tra emografie urbane e la calma misericordiosa delle piane verso cui defluiscono le anime pronte a lasciarla. 

Prompt 

Con tinte shoegaze, il brano mette in scena la linea di demarcazione tra l’algoritmo e l’esperienza umana. L’incapacità di funzionare al netto dell’errore. Di fronte a un modello di perfezione sintetica orientato alla prestazione, il testo risponde rivendicando la grammatica del guasto. Così non si diventa prodotto dell’ottimizzazione, bensì il risultato della propria collezione di difetti, dal peso familiare di problemi mai risolti e da quella capacità tutta nostra di socializzare con il paradenti sul sorriso. L’uomo rifiuta la competizione sul terreno della produttività — ed è qui che si smarca dall’economia ordinaria per accedere al mercato informale dei difetti che fanno innamorare — per posizionarsi nell’illeggibile: il desiderio dell’inutile, il declino come traiettoria intima, la padronanza di un disordine di cui si diventa paradossalmente esperti. L’anomalia, l’angoscia condivisa e il tempo perso a ballare sui CD rimangono il perimetro d’ombra che nessuna intelligenza artificiale saprà mai mappare o replicare. 

Tuona 

Una traccia che affronta la persistenza della memoria come reazione fisica all’allontanamento. Il temporale non è una metafora, ma la superficie reale su cui si muove la distanza. L’asfalto che diventa uno specchio. Le ferite che spaventano perché non sanno stare a galla. Le «ustioni sui ricordi» come unico segno rimasto per sentirsi ancora vivi. Il tentativo di non far dissolvere l’altro si gioca su dettagli concreti e frammenti di digitale quotidiano — la galleria senza campo, un video ricaricato in loop, l’attesa di una risposta. Rilanciando il concetto che dimenticare significa soprattutto rimanere senza un destinatario, la scrittura si spinge fino al tentativo di appropriarsi della mente altrui («farò i tuoi sogni per capirli meglio»), inseguendo i contorni di una presenza che è diventata l’unica geografia possibile prima che il diluvio cancelli le tracce. 

Malizia Delizia 

Una spirale di svelamento e finzione, un’escalation caricaturale tra corpi che si sfidano a non cedere mai la presa, condannati a un rilancio continuo per il solo gusto di misurarsi o di impressionarsi a vicenda. In questo gioco di specchi e provocazioni — tra epicureismi, anestetici per l’anima e il rigetto di ogni sovrastruttura verbale in favore di un contatto puramente fisico («Vorrei solo lingua») — le persone finiscono per perdere di vista la loro origine più autentica e vulnerabile, quella dimensione intima e fragile scaturita da una lacrima. 

Trasmutati in figure grottesche ed esibizioniste, i due protagonisti ingaggiano una messa in scena di disordine, inganno e stupore calcolato. Un’esibizione che finisce per deformare e dilatare lo spazio circostante, sospesa in un chiaroscuro ambiguo tra naturalezza e artificio, dove la detonazione della malizia è una reazione alla paura del rimpianto. Dietro la posa mitologica e caricaturale da figli di Afrodite affiora la certezza che persino la sfinge più impenetrabile nasconda un enigma irrisolto e la necessità disperata di un po’ d’amore, forse per la paura che al giorno dopo sopravviva solo la misura di ciò che si è perso. 

Restituire 

Il brano chiude il disco posizionandosi nel punto esatto in cui cessa la sovrastruttura per far posto all’azzeramento. La spinta non è quella di inventare una salvezza, ma di disinnescare la tendenza a trasformare la normalità in un caso studio, rivendicando la lucidità di chi rifiuta le tattiche e sceglie la resa. Gli occhi stanchi e la stanchezza verbale segnano il limite oltre il quale la parola cede il passo alla concretezza dei corpi e all’onestà diretta del contatto. La canzone diventa un esplicito invito a lasciarsi decifrare, ad abbassare le barriere codificate per accedere a un’altra adolescenza: uno stato di esposizione totale, privo di schermature.